Atelier Re-Naissance

STAGES D'ETE MOIS D'AOUT : Accès atelier de peinture Lot 46800 Belmontet (près de Montcuq)

Atelier Re-Naissance — 2010-05-30T17:16:44Z

pour aller à l'atelier de peinture du pech de Belmontet 46800 (près de Montcuq) dans le Lot ,

I-Willem Van Aelst "Nature Morte aux raisins et aux pêches "

Atelier Re-Naissance — 2010-05-10T10:41:33Z


Nature Morte aux raisins et aux pêches

Après avoir passé une impression sombre sur la toile, et reporté le dessin à l'aide de pigment blanc de titane, la pose des blancs ou mise en lumière peut commencer :


Début de la pose des blancs.

Après plusieurs couches de blanc, le tableau est reproduit en grisaille. Les volumes et modelés sont parfaitement rendus par les différentes intensités du blanc.


Mise en lumière achevée.

C'est le moment de procéder à la mise en couleur :


Début de la mise en couleur.

A suivre............

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II. STAGES DANS LE LOT : Adresses d'hébergement

Atelier Re-Naissance — 2010-05-06T20:00:00Z

Vous trouverez toutes les informations nécessaires sur la région sur le site de l'office du tourisme :

Montcuq en Quercy blanc

et une large sélection d'adresses de

à proximité du Pech

Il faut savoir que le Pech est un hameau situé sur la commune de Belmontet, et qu'il se trouve à 6 kilomètres de Montcuq.

notre mail : atelier re-naissance

Travaux d'élèves pendant le stage d'avril 2010. Cliquer ici.

Atelier Re-Naissance — 2010-05-03T21:04:52Z

Bachi-Bouzouk. Jean-Léon Gérôme. 1869. Metropolitan museum. New York.

Après avoir passé une impression sombre sur la toile, le dessin est reporté en enduisant de pigment blanc le verso de la photocopie du tableau agrandie à la dimension de la toile.

La photocopie a alors les propriétés d'un carbone.


Mise en lumière.

Puis les lumières sont posées sur l'impression sombre uniquement avec du blanc de titane, les nuances étant données par les différentes intensités de la peinture. Plus elle est opaque, plus elle est blanche, et donc plus la zone est lumineuse.

Quand la pose des blancs est treminée, et qu'ils sont secs, on passe à la couleur. Mieux auront été posés les blancs, plus facile et rapide sera la mise en couleur.


Mise en couleur. Première couche.

Plusieurs passages seront nécessairespour parfaire le modelé du visage, la subtilité des tons et la richesse des détails.


Mise en couleur. Deuxième couche.

La grande odalisque. Détail. Jean-Dominique Ingres. 1814. Musée du Louvre.

Sur la toile qui a reçu une impression ocrée, le dessin est reporté en TOB (terre d'ombre brûlée)


Report du dessin.

Puis le tableau est monté en camaëu de TOB. Mieux le guide en camaïeu est réalisé, plus aisée sera la pose de la couleur, bien sûr.


Camaïeu en TOB.


Début première couche couleur.

L'homme à la ceinture de cuir. Portrait de l'artiste. 1845-1846. Musée d'Orsay. Paris.

Après avoir posé une impression ocre jaune sur la toile, le dessin est reporté. Ici, on s'est servi de la photocopie du tableau agrandie à la taille de la toile, au dos de laquelle on a écrasé du pigment terre d'ombre brûlée, et qui a donc alors les propriétés d'un papier carbone.


Report du dessin.

Ensuite, le portrait est monté uniquement avec du blanc de titane sur l'impression ocre jaune.


Mise en lumière.

Une fois le blanc posé de façon satisfaisante, et quand il est sec, on peut passer à la première couche de couleur. Ici, le visage est à moitié travaillé.


Mise en couleur, première couche.

Il faudra ensuite, après séchage, poser une deuxième couche de peinture de façon à affiner le modelé et peaufiner les détails, un troisième passage serait nécessire pour inclure le personnage dans le fond.


Deuxième couche.

Portrait de femme du Fayoum. Egypte romaine.

Sur un panneau de bois préparé, le dessin est reporté au carreau.


Report du dessin.

Puis une impression colorée, ici en terre d'ombre brûlée, à la colle de peau couvre tout le panneau.


Impression à la colle de peau.

Il s'agit ensuite de trouver les tons du fond puis de modeler le visage, en partant des tons sombres pour petit à petit arriver aux réhauts de lumière.

Bouquet de fleurs.

Après avoir posé une impression sombre sur la toile, le dessin est reporté en blanc, toujours selon la même méthode.


Report du dessin.

Puis les fleurs sont travaillées en blanc, les legumes et feuillages reçoivent directement une couche de vert pour commencer.


Mise en lumière des fleurs.

Lorsque les blancs sont bien posés et bien secs, les fleurs reçoivent leur première couche de couleur.


Première couche de la mise en couleur.


Deuxième couche de couleur.

L'Ange de saint Mathieu de l'Evangéliaire de Khitrovo, Moscou

Sur un panneau de bois préparé et soigneusement poncé, on pose le dessin.

Cette icône va être ici reproduite selon la méthode de peinture des primitifs italiens, à la tempera à l'oeuf. Les icônes orthodoxes peintes en Russie ne sont pas peintes de la même façon, mais les matériaux sont identiques.


Report du dessin

Après la gravure des contours du dessin, puis la pose de l'assiette à dorer, on pose la feuille d'or.


Pose de la feuille d'or.

Une fois l'or bruni et les contours du dessin nettoyés d'éventuels débordements d'or, on peint par aplats de couleur légers.

Les graphismes sur les ailes sont posés avec des feuilles d'or adhésif sur un mordant qui suit le tacé des graphismes, ici une simple mixtion à l'eau.

E. Nature Morte au citron pelé. Jan Davidz de Heem. Musée du Louvre.

Atelier Re-Naissance — 2010-04-16T22:47:06Z


Huile sur bois. 59 cm sur 43 cm.

Cette Nature Morte qui a été peinte par de Heem sur un panneau de bois va être réalisée ici sur une toile pour des raisons de commodité. La toile choisie est une toile de lin très fine et très lisse.

Après avoir reporté le dessin sur la toile préalablement recouverte d'une impression sombre, la mise en lumière recompose le tableau uniquement en modulant l'intensité des blancs.


Mise en lumière.

Quand la pose des blancs est satisfaisante, après séchage, on peut passer à la première couche de la mise en couleur.

La nappe, le citron, les feuilles et la grappe de raisin prennent des couleurs.


Détail


Détail : citron, raisin et feuilles.

Le fond est retravaillé, avant que tous les éléments de la composition ne soient trop avancés.


Les fraises commencent à mûrir !

Pratiquement tout le tableau a reçu au moins une première couche de couleur, à l'exception du papillon de gauche. La nappe, la grappe de raison, le verre, les feuilles et le citon sont déjà bien travaillés. La coupe est prête à recevoir les dessins qui vont l'orner, son modelé est terminé.


Détail

A suivre.......................

J. Jean Fouquet. La Vierge Marie entourée de séraphins et de chérubins. Diptyque de Melun.

Atelier Re-Naissance — 2010-03-27T23:40:29Z

Musée royal des Beaux Arts d'Anvers . Belgique.


Vierge Marie entourée de séraphins et de chérubins

Les différentes étapes de la réalisation.

Première étape : préparation du panneau.

Tout d'abord il a fallu préparer le panneau de bois de façon traditionnelle, c'est à dire qu'il a été encollé avec de la colle de peau de lapin, puis qu'il a été enduit avec un mélange de cette même colle et de blanc de Meudon.

Deuxième étape : report du dessin.

Après un ponçage soigné, le dessin a été reporté.

Troisième étape : pose de l'impression, première couche du film pictural.

Puis une impression transparente d'huile de lin cuite teintée d'ocre jaune a été passée en couche très fine sur toute la surface. Elle va nourrir l'enduit, qui est poreux, et empêcher qu'il ne "boive" les couches de peinture à venir.

La pose des blancs ou mise en lumière.

La pose des blancs va se faire ici avec une émulsion grasse : mélange d'un oeuf entier, d'huile de lin, de résine Damar et d'eau.


Détail de la pose des blancs.

La pose des blancs a demandé plusieurs passages, lorsque leur intensité est suffisante c'est le moment de passer à la pose de la couleur.


Début de la mise en couleur. Détail.

D'abord le rouge, difficile à poser, puis les bleus des séraphins et de la robe, le blanc du manteau, l'environnement des personnages.


Détail.


Détail

Deuxième couche sur la robe et le manteau de la Vierge


Détail.

Première couche sur les visages et les chairs de la Vierge et l'Enfant.


Détail

Et reprise des visages des chérubins, et des multiples détails du trône, des bijoux...


Détail

A suivre.................

Travaux d'élèves du stage de dessin de février 2010

Atelier Re-Naissance — 2010-03-15T16:25:44Z


Nature morte


Composition libre


composition libre


Mains


Ombres et traits


Perspective


portraits


Portrait


Portait


Valeurs


Drapés

E. La Renaissance italienne. Le Cinquecento. XVIème siècle.

Atelier Re-Naissance — 2010-02-20T23:19:49Z

Portrait de Ranuccio Farnese. 1542. Le Titien.The National Gallery of Art, Washington.

Le début du siècle marque l'apogée de la Renaissance.

A Florence et Rome travaillent Léonard de Vinci, Michel Ange et Raphaël avec lesquels l'idéal de l'artiste humaniste atteint un sommet. A Venise, Titien, Véronèse et Le Tintoret s'imposent dans toute la mesure de leur talent.

A partir du deuxième tiers du siècle, l'instabilité politique et le déclin économique qui s'ensuit : sac de Rome en 1527, montée de la Réforme protestante, affaiblissement de la papauté, ont des répercussions dans le domaine de l'Art, les artistes et notamment les peintres s'écartant de l'idéal classique.

C'est le maniérisme qui va s'étendre, avec ses formes étirés et exaspérées, ses coloris acides, les compositions déséquilibrées et ne répondant plus aux lois de la perspective, ce qui se retrouve dans la peinture du Pontormo, de Rosso et du Parmesan.

L'exacerbation de ce style manièriste trouvera à la fin du siècle des contradicteurs tels Carrache et le Caravage qui redonnent à leur compositions une simplicité et un naturalisme novateur.

Michel-Ange (Michelangelo Buonarroti) – 1475-1564.

Il apprend la peinture dans l'atelier de Ghirlandaio , à Florence, mais c'est la sculpture qu'il préfère. Il est aussi poète et architecte.

De son vivant sa gloire est immense. Travailleur acharné, passionné, il se brouille avec ses contemporains auxquels il est confronté : Léonard de Vinci à Florence, Raphaël à Rome.

Bien qu'il se dise essentiellement sculpteur, son œuvre peinte à fresque est gigantesque, les commandes papales le contraignant à exécuter le célèbre décor de la chapelle Sixtine, puis plus tard celui de la chapelle Pauline toujours au Vatican.


Ezechiel (détail) Chapelle Sixtine


La sibylle de Delphes. Chapelle Sixtine. Rome.

Raphaël (Rafaelo Santi ou Sanzio).

Né en 1483 à Urbino, il est le fils de Giovanni Santi, peintre lui-même, qui lui a sans doute enseigné le premier la peinture dans son enfance puisqu'à sa mort Raphaël n'a que onze ans.


Autoportrait.1504.

Il devient ensuite l'élève du Pérugin et reçoit sa première commande en 1500.

Il partage son temps jusqu'en 1508 entre Urbino, Pérouse, Sienne et Florence. A Florence il côtoiera ses illustres aînés : Léonard de Vinci et Michel-Ange pour lesquels il avait une grande curiosité et admiration.

C'est l'époque :1505, où les deux géants se mesuraient dans la salle des Cinq-Cents (salle de réunion du conseil municipal), Léonard y exécutant la fresque représentant « la bataille d'Anghiari » et Michel Ange y peignant « la bataille de Cascina ».

Le jeune Raphaël aurait bien aimé se voir confier lui aussi la réalisation d'une fresque mais ce ne fut pas à Florence qu'il l'obtint.

Ce fut à Rome où il s'installa en 1508. Commença alors une longue collaboration avec le pape Jules II dont il va décorer de fresques les appartements au Vatican.


Jules II. National Gallery. Londres.

Raphaël sera nommé responsable des travaux de la basilique de Saint Pierre en 1514, et restera à Rome jusqu'à sa mort prématurée, provoquée par une courte et violente maladie en 1520.

La vie de Raphaël fut courte mais son œuvre est immense. Quatre vingt tableaux nous sont parvenus, outre les fresques.

Son succès fut fulgurant et considérable, ce qui laisse supposer qu'il n'avait pas le tempérament faible et mou qui lui a été parfois attribué, conséquemment à la douceur et au charme de ses œuvres. Ce succès eut pour conséquence que Raphaël, submergé de commandes, dut s'entourer de nombreux collaborateurs, et que certaines de ses oeuvres sont davantage des oeuvres d'atelier que des tableaux de sa main. Il dessinait mais laissait l'exécution à ses assistants.

Le milieu dans lequel il évoluait à Rome demandait sûrement force de caractère et solide ambition pour pouvoir s'imposer sur la scène artistique. Ce qui n'empêchait pas raffinement et beauté.

Fresques dans les appartements du Vatican, portraits de personnalités religieuses ou aristocratiques, sujets religieux notamment des célèbres Vierges à l'Enfant, toute son œuvre est empreinte de grâce, de douceur et d'une ineffable beauté.


Madonne à la chaise. Palazzo Pitti. Florence.

A Florence :

Pontormo : (Jacopo Carruci) 1495-1556


La déposition. Détail. Santa Felicità. Florence.

Il va rompre totalement, après 1520, avec le classicisme pour devenir le plus grand maniériste Florentin.

Son chef d'œuvre : le tableau « La déposition » qui orne la chapelle Capponi de l'église Santa Felicita de Florence est représentatif de son style original : composition novatrice, dramatique, visages tourmentés, couleurs acides, éclairage froid.

Sa peinture est complètement irréaliste, les personnages flottent dans l'espace par exemple, mais elle a une grande puissance évocatrice et traduit aisément l'intensité dramatique de la scène.

Son art est resté longtemps incompris et Pontormo, tombé dans l'oubli, ne fut redécouvert qu'au début du vingtième siècle.

Bronzino ( Agnolo Torri) 1503-1572

Elève et ami de Pontormo ,éminent portraitiste, notamment de la famille de Cosme de Médicis, il porte le maniérisme raffiné et glacial à son apogée, ce qui se retrouve aussi dans ses œuvres profanes.


Portrait de jeune homme. The Metropolitan Museum of Art. New York.

Consevé au Metropolitan Museum de New York.

A Venise

Giorgione (Giorgio da Castelfranco)(1477-1510)

Surnommé "le grand Georges" à cause de sa haute taille et de la grandeur de son esprit selon Vasari.


La vieille. 1506. Galerie de l'Académie. Venise.

Sa carrière fut courte mais il fut très admiré en son temps et son œuvre particulièrement originale eut une considérable influence sur ses élèves : Sébastiano del Piombo, Palma le vieux et sur son camarade le Titien (ils auraient été ensemble élèves chez Giovanni Bellinni).

Une composition équilibrée, des thèmes originaux, parfois mystérieux, une pratique de la peinture novatrice puisque selon Vasari, Giorgione peignait directement sans avoir posé de dessin préparatoire sur la toile : ces données avaient de quoi marquer les esprits de ses élèves et admirateurs.

Certaines oeuvres qui lui étaient attribuées ont été rendues à ses successeurs, notamment"le concert champêtre" désormais attribué au Titien. La difficulté à déterminer la paternité de ce tableau par exemple est bien la preuve de l'importance qu'eut Giorgione dans la formation du Titien.

Le Titien (Tiziano Vecellio) : (1488-1576)


Autoportrait. Musée du Prado. Madrid.

L'atelier du Titien se trouvait dans un faubourg de Venise, près de l'île de Murano.

Le Titien va connaître durant sa longue vie une gloire qui s'étend à l'Europe entière. Durant 60 ans il règne sur la peinture vénitienne et son influence sur les générations suivantes de peintres est considérable, par l'intermédiaire du Tintoret et de Véronèse.


Le concert champêtre. Musée du Louvre.

Inspiré au début de sa carrière par Giorgione, Titien va construire son propre style qui va évoluer tout au long de sa vie mais toujours dominé par une savante maîtrise de la couleur.

Elève de Giovanni Bellini, Titien a une grande admiration pour Giorgione avec qui il travaille parfois, à tel point qu'il est possible de confondre leurs œuvres (dixit Vasari).

Il a peint beaucoup de portraits des grands du siècle (Charles Quint, François Ier…) et aussi de beaux portraits de femme dont il exalte la beauté.


Vénus d'Urbino. Galerie des Offices. Florence.

Son œuvre est considérable, les sujets religieux, les portraits, les sujets profanes et allégoriques, tous ces domaines ont suivi l'évolution de son style puissant dont la caractéristique majeure, surtout à la fin de sa vie, est la primauté de la couleur et de la matière sur le dessin.

Sa technique :

Quand il peignait sur panneau de bois, Le Titien peignait selon la technique du 15 ème siècle, à l'aide de pâtes minces et transparentes. Sa méthode a changé lorsqu'il a utilisé la toile, support dont l'utilisation se généralise à partir du 16 ème siècle.

Sa méthode peut se définir selon l'analyse de Maurice Busset qui a étudié de près sa façon de peindre et les écrits de l'élève du Titien : Giacomo Palma, de la façon suivante :

• Première étape : Ebauche du tableau en couche épaisse de couleurs simples sur la toile préparée, sans couche d'impression préalable. Le dessin était défini à partir de ces masses colorées, contrairement aux préceptes du Moyen Age qui voulaient que le dessin soit très abouti. Il travaillait cette ébauche de couleurs simples en aplats en s'occupant peu du modelé qui serait défini plus tard grâce aux glacis, les chairs étant réservées en blanc. On peut donc supposer que l'ébauche se composait d'un camaïeu de tons chauds (ocres et bruns) et de chairs blanches. Il n'y avait pas dans l'ébauche les couleurs rares que l'on voit quand la peinture est terminée (lapis-lazuli ; malachite…) Le ciel bleu est préparé en ocre rouge ou Terre de Sienne brûlée, les vêtements en Terre de Sienne ou noir, les chairs en blanc parfois légèrement ocrées.

• Deuxième étape : Reprise de l'ébauche, parfois des années plus tard. Restée loin du regard du Titien pendant longtemps, l'œuvre allait vite lui livrer ses défauts, ce qui lui permet de corriger et remanier son tableau. Le temps de séchage assez long a permis à l'huile de pénétrer la préparation. Busset pense qu'il travaillait à l'huile pure, huile de lin ou d'œillette additionnée d'un tiers d'essence. Maroger, lui, pense qu'il pouvait ajouter de la cire , ce qui donnait un aspect mat à sa peinture.

• Troisième étape : Le Titien finissait ses tableaux en peignant avec les doigts pour étaler et fondre les couleurs entre elles. Les chairs du Titien restent mates . En revanche il utilisait de nombreux glacis ou vélatures : par exemple sur les vêtements ébauchés en Terre de Sienne ou noir, il passe des glacis de laque de garance, de lapis-lazuli ou de malachite pour leur donner leur couleur définitive. S'il n'employait pas de résine dans les sous-couches, il est sûr qu'il en employait dans les glacis et Maurice Busset suppose qu'il utilisait des mélanges d'huile, de résine de copal et d'essence d'aspic.

Les couleurs employées par Le Titien :

Noir d'ivoire, Ocre jaune, Ocre rouge, Orpiment( jaune d'or), laque de garance, vert malachite (que l'on peut remplacer par du vert émeraude), Terre de Sienne, Lapis Lazuli.

Le Tintoret : (Jacopo Robusti) 1518-1594 Venise


Sainte Marie Madeleine.Scuola grande di San Rocco. Venise.


Sainte Marie l'Egyptienne. Scuola grande di San Rocco. Venise.

Fils de teinturier d'où son surnom il Tintoretto, ce peintre est en rivalité avec le Titien chez qui il aurait fait un court passage lors de son apprentissage.

Sa rapidité et sa fécondité créatrice sont remarquables.

Mais quoiqu'admiré de son vivant, il est mal compris pendant les siècles suivants et son œuvre n'est reconnue qu'au début du XXe siècle.

Il réalise des compositions monumentales, notamment des commandes religieuses dont le plus grand tableau jamais peint : Le Paradis de 7 m sur 22 m, mais aussi de nombreux portraits.

L'ensemble des tableaux qu'il peint pour décorer les salles de la Scuola Grande di San Rocco à Venise est admirable, et on peut y découvrir tous les aspects de son talent : immenses compositions ( la Crucifixion), tourbillons de personnages, paysages enchanteurs, lumière étonnante, souvent crépusculaire.

Car il éclaire ses tableaux d'une lumière qui n' appartient qu'à lui et donne à ses compositions un mouvement et une dynamique tout aussi particuliers.

Il aurait eu d'après son biographe Ridolfi, la devise suivante : « le dessin de Michel-Ange et les couleurs du Titien » et il aurait préparé ses compositions en mettant en scène des personnages modelés en cire qu'il exposait à différents éclairages, ce qui témoigne de son originalité et de sa témérité.

D'autre part, par sa puissance dramatique son art semble refléter la personnalité inquiète de son auteur.

Paul Véronèse ( Paolo Caliari) (1528-1588).

Il est né à Vérone comme l'indique son surnom.

Après le Titien il est avec Le Tintoret le chef de file de l'école Vénitienne.

Il réalise de grands projets décoratifs comme les fresques de la villa Palladienne Barbaro à Maser où les trompe l'oeil somptueux habillent et mettent en valeur l'architecture.

Il a aussi des commandes de décors du palais ducal de Venise et des commandes de tableaux religieux, notamment de l'église Saint Sébastien où il sera enterré.

Il excelle à peindre les scènes festives et joyeuses dans le cadre somptueux où évoluent ses commanditaires, et sa peinture traduit une certaine joie de vivre de cette société mondaine et fastueuse.


Le repas chez Levi. Galleria dell'Academia. Venise. Détail.

N'oublions pas que Venise était très riche et puissante et que les commanditaires tant civils que religieux étaient nombreux.


La Comtesse Livia da Porto Thiene et sa fille Porzia. The Walters Art Museum. Baltimore.

Véronèse n'hésite pas à laïciser les scènes religieuses, mettant des bouffons dans la suite de Jésus par exemple, ce qui lui causera quelques soucis auprès de l'Inquisition.

Il revendiquera alors « les mêmes licences pour les peintres que pour les poètes et les fous », mais il devra changer le titre du tableau La Cène par Le repas chez Lévi. Il aurait pu s'en sortir plus mal.

Il connut un grand succès et avait un atelier avec de nombreux collaborateurs.

Sa peinture lumineuse et généreuse, glorifiant la beauté et la joie de vivre aura une influence continue sur les artistes des siècles suivant dans toute l'Europe, particulièrement remarquable chez Rubens et Tiepolo.


Allégorie de la Force et de la Sagesse. Frick collection. New York.

Article en cours de rédaction...

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TARIFS ET HORAIRES

Atelier Re-Naissance — 2010-01-17T14:03:15Z

Le tarif d'une semaine est de 380 euros pour 6 heures de cours par jour de 10 h à 17 h (une heure de déjeuner). Le matériel est fourni. - Dessin

J. Rembrandt 1627 "Le changeur" (32cm x 42cm) Gemäldegalerie museen Berlin

Atelier Re-Naissance — 2009-12-11T21:24:52Z

Etape 1

Après avoir reproduit le dessin sur une impression sombre, les lumières sont progressivement montées en blanc.


Première étape de la peinture : mise en blanc


Mise en blanc : suite.

Etape 2

Quand les blancs sont secs, la mise en couleur peut commencer.


Première couche en couleurs


Deuxième couche en couleurs


Troisième couche en couleurs


étape finale